Radar7:

Espacio de Exploración Sonora

del 16 al 26 de Abril de 2008

En 2008, el Festival Radar7 se reafirma como un espacio fundamental en el desarrollo de la Cultura Musical del país y presenta en el marco del Festival de México en el Centro Histórico a un bastión de la Creación Sonora Contemporánea: el compositor y filósofo de la música Anthony Braxton, que ha encontrado formas de escritura musical que hacen uso de las Matemáticas, el Espacio Sonoro y la Música Electrónica. Anthony Braxton presentará en México The Diamond Curtain Wall Trio, proyecto basado en un lenguaje de procesamiento por computadora para crear Música Electrónica Interactiva. Este trío de “Jazz” interactúa con un componente electrónico que responde a los músicos, e interviene el Espacio Sonoro por medio de 12 zonas de transferencia de energía. Anthony Braxton se presentará con su grupo el 26 de Abril a las 20:30 horas en el Teatro de la Ciudad, como acto de clausura de esta edición de Radar7.

Radar7 inaugura con Soni(c)loud, una exposición de Arte Sonoro que propone nuevas formas de comprender el Paisaje Sonoro mediante Instalaciones Sonoras y Audiovisuales de artistas como Bruce Nauman, Santiago Sierra, y Christina Kubisch, entre otros.

Como homenaje al recién fallecido Karlheinz Stockhausen, pionero de la Música Electroacústica, Radar7 ofrece un ciclo de tres conciertos en donde algunas de sus obras que cambiaron el rumbo de la música del siglo XX, como Kontakte, Zyklus, Tierkreis, y los Klavierstück IX, X y XI, serán interpretadas por una serie de músicos que trabajaron estrechamente con dicho compositor: Nicholas Isherwood, Benjamin Kobler, Michael Pattmann, Bryan Wolf, Pablo Gómez y David Nuñez.

Este año, con especial interés se abre en Radar7 un espacio dedicado a proyectos en los que conviven el universo del Rock, la Improvisación Libre, el Noise y los Medios Electrónicos. Wolf Eyes, Drumcorps, Melt Banana y el proyecto Kalashnikov de Jamie Saft y Mike Pride, conforman esta sección que se caracterizará por la intensidad escénica de sus integrantes.

Para las jornadas de Electrónica Experimental fueron invitados Elliott Sharp, Ikue Mori, Zeena Parkins, Hernán Hecht y Juan José Rivas, que interpretarán dos versiones de la obra Screen Play de Christian Marclay. Durante estos dos días se presentarán también los japoneses Yamataka Eye y Atsuhiro Ito.

Para una mayor información y para consultar la programación completa del Festival de México en el Centro Histórico puedes acceder a la siguiente dirección electrónica:http://www.festival.org.mx/

La Música Electroacústica Experimental de Concierto, con sus principales exponentes de México y el extranjero, es la nueva propuesta de La Habitación del Ruido

Se programarán conciertos atractivos, culturalmente importantes y estéticamente variados

Participarán reconocidos artistas mexicanos
de Arte Sonoro

Cada semestre habrá un creador extranjero y se presentarán trabajos de estudiantes destacados

Este ciclo mensual, organizado por la Universidad del Claustro de Sor Juana por medio del Colegio de Comunicación, tendrá tres vertientes: trabajar con destacados artistas mexicanos de Arte Sonoro; invitar a creadores extranjeros e incluir los trabajos de estudiantes que actualmente están experimentando con esta disciplina. Los artistas sonoros programados son Javier Álvarez acompañado por la cellista brasileña Iracema de Andrade, Pablo García, Manuel Rocha y Rodrigo Sigal, que se presentarán los Miércoles 27 de Febrero, 26 de Marzo, 30 de Abril y 28 de Mayo a las 16:00 horas, respectivamente, en el Ex Templo de San Jerónimo de la Universidad del Claustro de Sor Juana (Izazaga 92, Centro Histórico, México D. F.). Entrada Libre.

Pablo García, nuevo coordinador de La Habitación del Ruido, dijo que durante el ciclo se estrenarán obras de artistas mexicanos, sobre todo en su faceta de concierto, además de las conferencias. Los participantes de este ciclo son profesionales de la Música Electroacústica y cuentan con reconocimiento internacional. Cada uno de los participantes ofrecerá, desde su perspectiva, lo más actual de este género musical, por ejemplo Javier Álvarez y Pablo García son rítmicos en el Diseño Sonoro, mientras que Rodrigo Sigal y Manuel Rocha son partidarios del Paisaje Sonoro y de las texturas tímbricas. Además, entre los invitados extranjeros estará el artista alemán Thomas Gerwin, quien se presentará en la sesión de mayo.

Las sesiones de La Habitación del Ruido iniciarán el 27 de Febrero, con la participación de Javier Álvarez, quien presentará “Le Repas du Serpent & Retour a la Raison” para Cello, Electroacústica y Video. Le acompañará en el cello la brasileña Iracema de Andrade, quien actualmente realiza estudios de Doctorado en Interpretación Musical en la Escuela Nacional de Música de la UNAM, en donde desarrolla un trabajo de investigación en el campo del repertorio contemporáneo para violoncello y medios electrónicos.

Javier Álvarez es uno de los compositores mexicanos con más reconocimientos internacionales y gran parte de los trabajos que componen su prolífica obra combinan el riguroso dominio instrumental con el profundo dominio de la tecnología, desplegando así un eclecticismo formado por ideas provenientes de otras disciplinas y de otras culturas del mundo. El 26 de Marzo se presentará Pablo García, con “Aplausos de gongo (plus no americans or dogs allowed in the premises)”. El programa está conformado por las obras más representativas de este compositor mexicano de Música Electroacústica. Tres obras diferentes y características de su estilo, que va de lo gestual-corporal del sonido a lo insoluble del ritmo y la música tímbrica, serán presentadas a manera de concierto-conferencia para su discusión y libre interpretación.

La especialización en el campo de la electroacústica de Manuel Rocha, quien intervendrá el 30 de Abril, lo ha llevado a interesarse por escuchar y utilizar la amplia gama de ruidos y sonidos que existen en el mundo para utilizarlos en su trabajo, re-interpretarlos y asimilarlos artísticamente. Para el concierto-conferencia en La Habitación del Ruido, Manuel Rocha hablará de las diferentes composiciones que forman parte de su evolución en la creación sonora.

Finalmente, el 28 de Mayo estará Rodrigo Sigal, con el programa “Estrategias de Música Electroacústica”. Con esta presentación se busca abrir un espacio de reflexión sobre los métodos de composición y el uso de la tecnología como medio creativo. Mediante la presentación de sus obras se expondrán aproximaciones particulares a la composición con el uso de la tecnología para generar un espacio de discusión constructiva sobre esta expresión musical. Rodrigo Sigal obtuvo en 1999 el primer premio en el Concurso Internacional de Composición Luigi Russolo en Italia, y desde 2004 es miembro del consejo de la Red de Arte Sonoro Latinoamericano.

Pablo García tiene Maestría en Composición de Música Contemporánea Mixta de la Universidad de Hertfordshire, y Doctorado en Composición de Música Electroacústica-Acusmática, en la City University, en Inglaterra.

El Comunismo, barrera para el libre desarrollo de la

Música Experimental:

Anna Zielinska

La ejecutante polaca Anna Zielinska, especializada en la música que enlaza a las nuevas tecnologías, coincidió con instrumentistas de corte clásico al analizar la injerencia del sistema comunista en Europa del Este en la creación musical de vanguardia, como parte de las actividades de la segunda jornada del Festival Internacional de Música y Nuevas Tecnologías Visiones Sonoras, impulsado por el Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (CMMAS).

En conferencia pública desarrollada en la Casa de Cultura de Morelia, Anna Zielinska habló sobre el desarrollo de la música experimental en su país frente a las carencias de equipo y la influencia de la antigua Unión Soviética que desembocaron en el rechazo a los compositores de vanguardia, al profundizar en el trabajo polaco a partir de los años 50's del siglo XX y que hasta hoy permanecen vivos, entre ellos Wlodzimerz Kodonski, de quien se exhibió una composición escrita para película y que enlaza la tendencia de su época hacia la subjetividad visual y sonora.

En su ponencia, la invitada al encuentro anual de creadores en su tercera emisión destacó que la situación de Polonia por esos años era la de un país ocupado por la desaparecida Unión Soviética después de la Segunda Guerra Mundial, y en donde predominó el comunismo como principal elemento aglutinador y una marcada lejanía hacia el desarrollo tecnológico de Occidente, “por eso sabíamos más de astronautas rusos que de equipos para hacer música por medios electrónicos”, indicó.

Esa ideología, agregó, se vio reflejada en un marcado rechazo hacia la avanzada musical, e incluso el Jazz se declaró como expresión prohibida hasta el punto de expulsar de sus estudios universitarios a músicos jóvenes que ejecutaban esa vertiente.

De ahí que el único espacio para crear música con tecnología electrónica fuera la Radio Nacional de Polonia, al tiempo en que los compositores del repertorio mundial de siglos anteriores eran conocidos por los melómanos de esa nación mientras que los creadores contemporáneos eran relegados y aún vistos como “extraños e indeseables”.

Esa situación repercutió en que el gusto del público hacia que el arte se orientara a otras expresiones, como la literatura, lo que convirtió al ambiente musical en una rutina de olvido y rechazo.

Sin embargo, la década de los años 80's traería una nueva apertura ideológica y la llegada de herramientas de punta, así como la posibilidad de salir del país y provocar el intercambio de ideas y creaciones artísticas entre los compositores de música experimental.

Hasta el momento, dijo la ponente, la música experimental polaca se adentra en las nuevas formas de composición gracias a la entrada de equipo electrónico e informático, pero también a la integración de un acervo ideológico más libre, lo que repercute en el surgimiento de nuevas figuras como Magdalena Dhugosz, Lidia Zelñiska ó Krystof Penderecky, entre otros.

Las explicaciones dadas por Anna Zielinska coinciden con las que ofrecieron los invitados europeos del Festival Internacional de Música de Morelia “Miguel Bernal Jiménez”, sobre todos los que llegaron de los países que estuvieron bajo la influencia soviética de la posguerra, quienes se refirieron entonces no sólo al ambiente que vivieron sus compositores, sino a la adecuación de un sistema educativo que se impactó negativamente en el aspecto artístico cuando el capitalismo que sustituyó al régimen anterior exigió la formación de profesionistas en ciencias exactas, mientras que las humanidades, al quedar relegadas, luchan hoy por alcanzar los espacios y remuneración que antes tuvieron.

ERICK ALBA

La Jornada de Michoacán

http://www.lajornadamichoacan.com.mx/

Músicas Posmodernas:

Electroacústica

y Electrónica Popular

(1 de Diciembre de 2007)

En esta sesión radiofónica presentaremos Música muy variada; Música diversa. Contaremos con la presencia musical de Stephen David Beck, James Montgomery, Ricardo Dal Farra, Anna Rúbin, y David Kin. La música que Escucharemos en esta sesión es para distintos medios, como por ejemplo, para Fagot y Electrónica, para Saxofón y Electrónica, para Voz y Electrónica, entre otros. Además de que charlaremos sobre aquella ignorada ambivalencia entre dos de las vertientes más importantes de la Música Posmoderna: la Música Electroacústica y la Música Electrónica Popular: esta última se rige principalmente por el control del sector económico sobre la creación musical, y se fundamenta esencialmente en la estandarización, en el sincretismo y en la homogeneización de los diversos estilos respecto de un mercado de la cultura caracterizado sólo aparentemente por una personalización de la oferta y del público, pero que refleja en realidad un sistema sustancialmente unitario de valores y modelos culturales, cuyas estratificaciones no provienen de una diferencia real de contenidos, sino que muestran destinos sociales diferentes, es decir, identifican un “nivel” cultural y no un “valor” cultural autónomo.

Sesión Radiofónica:

Música y Muerte

(3 de Noviembre de 2007)

Sesión Radiofónica dedicada al problema filosófico de la Muerte: La liberación de dejar de ser Yo.

Platón afirmó que la filosofía es una meditación de la muerte. Toda vida filosófica, escribió después Cicerón, es una commentatio mortis. Veinte siglos después Santayana dijo que «una buena manera de probar el calibre de una filosofía es preguntar lo que piensa acerca de la muerte». Según estas opiniones, una historia de las formas de la «meditación de la muerte» podría coincidir con una historia de la filosofía. Ahora bien, tales opiniones pueden entenderse en dos sentidos. En primer lugar, en el sentido de que la filosofía es o exclusiva o primariamente una reflexión acerca de la muerte. En segundo término, en el sentido de que la piedra de toque de numerosos sistemas filosóficos está constituida por el problema de la muerte. Sólo este segundo sentido parece plausible.

Por otro lado, la muerte puede ser entendida de dos maneras. Ante todo, de un modo ambiguo, luego, de una manera restringida. Ampliamente entendida, la muerte es la designación de todo fenómeno en el que se produce una cesación. En sentido restringido, en cambio, la muerte es considerada exclusivamente como la muerte humana. Lo habitual ha sido atenerse a este último significado, a veces por una razón puramente terminológica y a veces porque se ha considerado que sólo en la muerte humana adquiere plena significación el hecho de morir. Esto es especialmente evidente en las direcciones más «existencialistas» del pensamiento filosófico, no sólo las actuales, sino también las pasadas. En cierto modo, podría decirse que el significado de la muerte ha oscilado entre dos concepciones extremas: una que concibe el morir por analogía con la desintegración de lo inorgánico y aplica esta desintegración a la muerte del hombre, y otra, en cambio, que concibe incluso toda cesación por analogía con la muerte humana.

Tal parece que la existencia fuera un mal, porque una ley eterna la castiga con la Muerte; “El mayor delito del humano es haber nacido”, dijo Calderón de la Barca en “La vida es sueño”.

¿Qué es la Muerte y por qué la sufrimos? ¿Por qué la tenemos? ¿Qué hay detrás ó después de ella? Es un hecho universal el temor del humano a morir. ¿De dónde proviene ese temor?

A pesar de estar convencidos de la inevitabilidad de la Muerte nos entregamos de lleno a la empresa de vivir. ¿La idea de la Muerte no debiera en cierto modo paralizar nuestro anhelo de vivir? ¿Qué es lo que hace al humano vivir como si no fuera a morir?

Para dilucidar el alcance de la Muerte es necesario comprender el contenido de la palabra “Yo” como una parte infinitamente pequeña del mundo, entonces el fenómeno individual que constituye una persona es una porción insignificante de un verdadero Ser, y en ese caso, la Muerte es la recuperación de ese auténtico e infinito Ser a cuya entrada es preciso dejar los despojos de nuestra individualidad. En una palabra, la Muerte nos despoja sólo de nuestro Ser individual, no de nuestro Ser verdadero; nos despoja de esa condición que nos hace radicalmente infelices; esa condición es la individualidad. La Muerte es el fin de la existencia temporal. El fin de la persona es tan real como su principio; después de la Muerte no existiremos, así como tampoco hemos existido antes de nacer.

Sesión Radiofónica:

Música para Flauta

y Electrónica

por Alejandro Escuer

(22 de Septiembre de 2007)

Para la mayor parte de los melómanos y aficionados a la música, la Música del Siglo XX es un hueso duro de roer. A menudo se mezclan la confusión ó el rechazo con la sensación de provocación, ó incluso de burla. Cuando la Música es complicada, se le tacha de elitista ó de innecesariamente intelectual. Si la Música está basada en una idea sencilla, se la considera superficial y burda, y la reacción más habitual es la de decir: “Eso lo sabría hacer yo”. Se podría decir que una de las diferencias entre el sujeto creador y el que no lo es, es que el primero hace lo que el segundo cree que podría hacer, pero no hace. También está la constante preocupación acerca del “ruido”, la “disonancia”, la “tensión” y otros conceptos que desaniman a tantos Escuchas. Buscar exclusivamente diversión y descanso en la Música ó en cualquier otro arte, significa no entender en absoluto su naturaleza compleja. Por eso Santayana, en su libro “La Razón en el Arte”, escribió: “Para emitir juicios musicales es necesario recibir una educación musical. Lo que gusta a la mayoría de la gente apenas puede considerarse Música; más bien se trata de un estado de embriaguez somnolienta aderezada de impulsos nerviosos”. La relajación es tan sólo uno de los múltiples efectos al alcance de aquellos que dominan el arte de manipular, ó como ya lo dijo Edgard Varèse, “organizar” sonidos de forma coherente. Empleamos el término “manipular” para acentuar lo que hay de artificial en la música, tanto si es moderna como si no lo es. En la composición de una sinfonía hay poco de “natural”. Es más bien una actividad extremadamente artificial, que requiere unos conocimientos técnicos considerables. De ahí que se diga que “componer es un diez por ciento de inspiración y un noventa por ciento de transpiración”.

Durante mucho tiempo he creído que la adquisición de ciertos conocimientos técnicos facilita un interés informado y comprensivo de lo que el artista intenta hacer y expresar con su estilo. Además, cuando una obra de arte no nos gusta, nuestra respuesta no suele depender de una opinión ó un gusto bien informados, sino más bien del miedo a lo nuevo, lo cual produce un bloqueo mental y emocional. En lo que se refiere al arte, creo que en lugar de decir: “Sé lo que me gusta”, sería mejor decir: “No sé lo que podría gustarme”.

Siempre merece la pena hacer un pequeño trabajo de investigación y luego de reflexión antes y después de un concierto. La familiaridad ahuyenta la ansiedad. Los tecnicismos musicales se pueden asimilar igual que los de la informática, el fútbol, el cricket, el ajedrez, los juegos de cartas y muchos otros. Todo artista busca la comunicación, y nuestra tarea como Escuchas, es la de tomar parte en el proceso creativo descifrando los signos, los medios y los métodos de lo que se nos está comunicando. Recuerda, querido Escucha, lo que dijo Gershwin: “Mucha gente dice que un exceso de estudio anula la espontaneidad para la Música, pero si bien es cierto que el estudio puede anular un pequeño talento, también es verdad que el interés por el conocimiento musical puede desarrollar un gran talento”.

El comentario musical de esta sesión fue tomado del libro “Introducción a la Música del Siglo XX” de Ottó Károlyi (Alianza Editorial, 1999).

En esta sesión radiofónica, presentamos estrenos mundiales por parte de compositores de México, Estados Unidos, Italia y Holanda, de una calidad musical excepcional, dedicadas, interpretadas y grabadas por el mexicano Alejandro Escuer, uno de los más importantes flautistas y compositores de Latinoamérica hoy en día, del cual comentamos a lo largo de esta sesión. Cada pieza está caracterizada por un estilo contrastante y ofrece diferentes perspectivas no sólo en el uso de los medios electrónicos, sino también en la concepción del sonido acústico de la flauta, lo cual convierte al álbum que escuchamos en esta sesión, “Aqua”, en un disco sólido, único, altamente creativo, e innovador. “Aqua” está integrado por piezas de gran sofisticación tecnológica y composicional tanto para el disfrute del público en general, así como para la satisfacción del especialista. “Aqua”, es ante todo, el completo itinerario de un viaje a través del Arte Sonoro.

Sesión Radiofónica:

Música Electroacústica Mexicana

(4 de Agosto de 2007)

“Hablar de Música Electroacústica, Música Concreta ó Música para Cinta Magnética es hablar de precursores, de Ciencia Musical, de Tecnología y de señores en blanco y negro con corbata sentados frente a muy extrañas máquinas. Desafortunadamente hablar de Música Electroacústica también es hablar de marginalidad, desconocimiento, y para muchos, es sinónimo de antiguo y anacrónico. Y es que da la sensación de que la Música Electroacústica y sus alquimistas, se hallan atrapados entre el cielo y el suelo: no serian felices en ese cielo de la Música Clásica plagado de divinidades, pues ellos tienen un espíritu joven repleto de curiosidad, ávido de experimentación, y sobretodo, carecen de prejuicios para enfrentarse y crear a través de una máquina. Por otra parte, tampoco pueden bajar a los infiernos del Pop, ya que estos están infectados de imposturas y frivolidades, y su formación artística y su concepción de lo musical les impide operar con comodidad en este territorio, además de los restrictivos patrones del mercado a los que están sometidos. Al final, el último refugio de gran parte de los artistas electroacústicos son las composiciones por encargo, la investigación teórica y la especialización académica de alto nivel”. Gabriel Brncic, “Guía Profesional de Laboratorios de Música Electroacústica”, 1998.

La Música Electroacústica en México encuentra sus orígenes en 1960 con la obra “El Paraíso de los Ahogados”, obra para cinta magnética que Carlos Jiménez Mabarak (1916-1994) compuso para la coreografía homónima de Guillermina Bravo (1920), y con la aparición del “Omnifón”, primer sintetizador construido por el ingeniero mexicano Raúl Pavón (1931), quien incluso se adelantó a los inventores estadounidenses Robert Moog (1934-2005) y Donald Buchla (1936). Sin embargo, el desarrollo de la Música Electroacústica en México no se inicia realmente sino con la creación del Laboratorio de Música Electroacústica, adscrito al Conservatorio Nacional de Música, fundado por Héctor Quintanar (1936) y Raúl Pavón hacia finales de la década de los años 60's, así como por la creación del estudio particular de Antonio Russek (1954), el cual, en 1978 se convertiría en el Centro Independiente de Investigaciones Musicales y Multimedia; después en 1990, fue establecido formalmente el primer Laboratorio de Electroacústica e Informática Musical en la Escuela Superior de Música fundada por Francisco Nuñez (1945) y Roberto Morales (1958).

“Escoger obras relevantes de distintas etapas históricas de la Música Electroacústica en México es una tarea harto difícil, así como es ardua la investigación acerca de lo que aconteció en nuestro país en el campo de la Música y la Tecnología durante las décadas de los años 60’s y 70’s, ya que no existió un centro de experimentación, producción, difusión y conservación de obras que haya funcionado de manera continua y apropiada a través de las últimas cuatro décadas y media de historia de este género musical en nuestro país”. Manuel Rocha, “La Música Electroacústica en México”, 2003.

En esta sesión radiofónica presentamos el trabajo de algunos de los compositores electroacústicos más importantes de México. Escucharemos obras para electrónica sola, compuestas por Rogelio Sosa, Sergio Luque, Rodrigo Sigal, Manuel Rocha, Guillermo Galindo, Gonzalo Macías, Carlos Sandoval, y Javier Álvarez.

Música en favor

de la Filosofía.

“Esta obra (“Filosofía de la Música”) pretende mostrar teórica, documental y experimentalmente a los filósofos (y a los no filósofos), lo que de Filosofía hay intrínseco ya en lo Musical, y sobretodo, lo que está irrumpiendo, surgiendo y patente ya en las obras (en ciertas obras y no en todas) de Filosofía Nueva, incitante y promisoria. Música, en favor de la Filosofía. Y complementariamente: esta obra intenta hacer eso mismo respecto de los Músicos: hacerles caer en cuenta de lo que de Filosofía les está brotando en Obras Musicales suyas: que es Filosofía suya de la que mana, brota, surge Nueva Filosofía, como de la física (natural) de los presocráticos llegó a manar, surgir y brotar metafísica; Platón, Aristóteles. Hacer notar al Músico que filosofa. Hacer notar al filósofo que la Música ha sido y está siendo componente intrínseco de la Filosofía: de una Filosofía especial y compleja, y de una Música especial y compleja. Filósofo-y-Músico”.

Juan David García Bacca,

“Filosofía de la Música”, 1990.

Sesión Radiofónica:

Música Contemporánea

y Educación

(28 de Julio de 2007)

¿Por qué la Música Contemporánea no se Escucha?

Dos condiciones actuales proporcionan el contexto inevitable para cualquier investigación musical: el desarrollo cada vez más acelerado del lenguaje musical y la ausencia total de consenso teórico sobre los valores musicales.

En esta sesión radiofónica charlaremos principalmente, alrededor de una pregunta capital para este proyecto radiofónico, y en general, para la mayor parte de la Música de nuestro tiempo.

¿Es necesariamente la Música Contemporánea un problema Educativo?

La producción musical de nuestros días que adopta las características del Arte Posmoderno, ó mejor aún, del Arte Poshistórico (como lo denomina el filósofo Arthur Danto), se mueve principalmente entre tres polos de atracción (según el musicólogo mexicano Rubén López Cano):

A) la (mal llamada) Música “Culta” Académica. Es decir, compositores especialistas formados profesionalmente e instalados en la tradición de la (mal llamada) Música “Culta”, y que producen obras de arte;

B) el Pop sofisticado. Es decir, principalmente la Música Pop (ó música televisiva), algunas manifestaciones tardías del Minimalismo, los denominados estilos progresivos (como el Rock Progresivo, por ejemplo), los estilos Post (como el Post Rock, por ejemplo), la World Music ó Música del Mundo, el Acid Jazz, el New Age, etc.;

C) y aquello que se ha dado llamar los Nuevos Comportamientos Musicales, un interesante concepto semiótico acuñado por el Musicólogo mexicano Rubén López Cano, del cual hemos comentado ya en diversas sesiones radiofónicas.

Los compositores de la (mal llamada) Música “Culta” Académica (como por ejemplo, Alfred Schnittke, Arvo Pärt, Philip Glass, Henryck Gorecky, etc.), se han desentendido, en general, de producir discurso teórico propio. Después de muchos años, y cuando parecía que la unión entre la teoría y práctica compositivas era “para siempre”, se confirma una fractura, un divorcio irreconciliable.

Es precisamente la Música de estos compositores (Philip Glass, Henryck Gorecky, Alfred Schnittke, y Arvo Pärt) la que Escucharemos en esta sesión radiofónica.

"Mi Música proviene de

Escuchar mi Imaginación".
Julio Estrada.

Ésta próxima sesión radiofónica de Artes Electroacústicas, queremos aprovecharla para hacerles una cordial y extensa invitación a la presentación sin precedentes de una excepcional obra de Música Contemporánea, producto de la Mente Musical del compositor mexicano vivo con mayor reconocimiento internacional. Después de más de 15 años de trabajo, el pensador musical Julio Estrada terminó su obra más ambiciosa, Murmullos del Páramo, una ópera surgida de una investigación teórica rigurosa, sin comparación, sobre el sonido en la obra de Juan Rulfo. El pasado 12 de mayo, Madrid fue el lugar privilegiado del estreno mundial. Este 8 y 9 de septiembre, la sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario de la UNAM, será el lugar de su estreno en México.

Arte y nuevas tecnologías se mezclan para dar origen al 8º Festival Internacional Música y Escena, que en este año le dará especial importancia a la presentación de la ópera Murmullos del Páramo de Julio Estrada, obra que combina voces cantadas y habladas con sonidos electrónicos y con ruidos, instrumentos acústicos, y danza butoh. Una obra en la que participan importantes músicos de diversas disciplinas, como la singular soprano Fátima Miranda (por segunda vez en México), el quinteto vocal de Stuttgart, el ruidista Llorenç Barber, y el bailarín de danza butoh Ko Murabushi, con espacialización de música electrónica grabada en cinta magnetofónica (por el Estudio Experimental de Arte Acústico de Alemania), guitarra (interpretada por Magnus Andersson), trombón (interpretado por el prestigiado Mike Svoboda), contrabajo (interpretado por el mismísimo Stefano Scodanibbio), y shô (interpretado por Ko Ishikawa).

Seis grandes eventos de Teatro y Escena encabezan este Festival que se lleva a cabo en las salas Nezahualcóyotl y Miguel Covarrubias del Centro Cultural Universitario de la Ciudad de México, desde el pasado 25 de agosto hasta el 10 de septiembre de 2006.

El mundo por venir, con la violonchelista Maya Beiser, del 25 al 27 de agosto.

De la oreja al corazón, de Emmanuel Márquez, el 2, 3, 9 y 10 de septiembre.

Teatro musical, de Nicholas Isherwood (por segunda vez en México), para barítono y sonidos electrónicos, el 6 de septiembre.

En el cielo camino, de Karlheinz Stockhausen, el 7 de septiembre.

Murmullos del páramo, de Julio Estrada, el 8 y 9 de septiembre.

Dentistas y Doppelgänger, de Nicholas Isherwood (por segunda vez en México) y Stefano Bassanese, para voz bajo, electrónica en tiempo real y video (además de la presentación de la obra Phonophonie del compositor electroacústico argentino Mauricio Kagel: cuatro melodramas para voz y fuentes sonoras), el 10 de septiembre.

El proyecto de Julio Estrada, Murmullos del páramo, surgió en 1990 después de concluir su libro "El Sonido en Rulfo" en 1989: extenso ensayo que intenta una interpretación sonora y musical de la literatura de aquel autor; principalmente los cuentos reunidos en "El Llano en llamas" y la novela "Pedro Páramo". Los textos de Juan Rulfo muestran su tendencia característica a convocar la presencia de lo sonoro a través de sus descripciones, sutiles sugerencias que parecen buscar un eco interior en la sensibilidad y memoria auditivas de cada lector. Leer Pedro Páramo es, desde la escucha íntima, una experiencia cuasi musical que tiene lugar al darse el juego entre las diversas sonoridades convocadas por la novela y la respuesta ante ellas. Ese mismo proceso dialéctico entre el texto de Juan Rulfo y el oír individual es el germen de la ópera Murmullos del páramo.

En esta próxima sesión radiofónica de Artes Electroacústicas, y respondiendo a nuestra labor de fomento y difusión de la Creación Sonora Contemporánea, charlaremos larga y detalladamente sobre el proceso composicional que dio origen a tan esperada Ópera, aunque más concretamente, sobre la extraordinaria Mente Musical de su autor: Julio Estrada (del cual incluso ya hemos comentado y escuchado algo su Música Electroacústica en sesiones anteriores). Esperamos que nos puedan acompañar en esta sesión radiofónica, aunque desearíamos aún más, que pudieran asistir a este evento sin precedentes en el panorama de la Música Contemporánea en México.

"La Música ―como una extensión del cuerpo y parte de la Mente extendida― es también un modo de Pensar, una manera particular de articular todos los sentidos (no sólo el Oído), de explorar el entorno sonoro y no sonoro y de generar coherencia (afectiva, cinética o intelectual) recolectando perceptualmente de las situaciones musicales aquellos elementos que nuestra Mente requiere para funcionar musicalmente y que condicionan los modos de acercamiento ó comprensión de una Música determinada".

Rubén López Cano,

Musicólogo mexicano.

Qué tal: Accedo a este blog desde una suscripción "rss" que tengo de la búsqueda de Google "Musica Electroacústica", y escribo para comentar que a pesar de que lo he intentado varias veces, no he podido escuchar la Radio Online que ustedes comentan. El blog tiene un diseño muy agradable, y el contenido pinta muy bien. Saludos.
Publicado por ferbr1
Hora: 12:53 PM

Artes Electroacústicas pide una sincera disculpa a todos los visitantes de esta página por las fallas ocurridas al haber intentado escuchar nuestro programa vía Internet. Desgraciadamente, esta falla es algo totalmente ajeno a nosotros. Sin embargo, al principio y al final de este mismo Blog les ofrecemos para Escuchar y/ó descargar algunas de nuestras sesiones radiofónicas, las cuales esperamos que sean de su completo agrado.

De antemano gracias por su comprensión.

“Música es mapear

con sonidos

el alma humana”.

Osvaldo Golijov.

Entre las últimas noticias que pueden dar una verdadera alegría a los argentinos, muy por encima de sus prescindibles logros futbolísticos, está la de saber que un compatriota suyo ha emergido como figura estelar de la música académica contemporánea. Es Osvaldo Golijov, nacido en La Plata, Argentina. El Directorio Americano Internacional de Música de las Artes Representativas lo ha reconocido como el compositor del año por “su estilo multicultural, la exuberancia de su ritmo y la cautivante emoción que conecta de inmediato con dilatadas audiencias”. Un festival con su obra fue presentado en el Lincoln Center de Nueva York; el sello discográfico Deutsche Grammophon ha comenzado a lanzar varios álbumes y el célebre cellista Yo Yo Ma estrenó, junto con la Sinfónica de Boston, su primer concierto para cello y orquesta. La fama de Osvaldo Golijov se ha vuelto vertiginosa.

La compilación de obras para conjunto de cámara y soprano, "Ayre", comparte elementos composicionales con las Folk Songs de Luciano Berio, también interpretadas por la soprano Dawn Upshaw. La conexión es adecuada, no sólo en términos instrumentales; las canciones de Luciano Berio pueden haber sido el modelo original de estas canciones de Osvaldo Golijov, aunque el segundo es un poco más radical en el efecto de intersección de unos lenguajes con otros. De pronto la atmósfera arcaizante de una canción de cuna sefardí es interrumpida por una máquina de ritmo, ó una antigua melodía oriental es atravesada por música de restaurante árabe. En la música de Osvaldo Golijov, los materiales impactan con todo su patetismo y su memoria colectiva.

"Ayre", la obra de Osvaldo Golijov que lanzó el sello discográfico Deutsche Grammophon el 27 de septiembre de 2005, es una de las cúspides de este consagradísimo compositor argentino de 45 años de edad, que está radicado en Boston desde hace unas dos décadas y a quien la crítica estadounidense tiene como una de las figuras más destacadas de la creación musical contemporánea. El reconocimiento es tal que el Lincoln Center de Nueva York realizó un gran ciclo en su homenaje, un auténtico festival titulado “La Pasión de Golijov”, en alusión a la obra que terminó de catapultar a la fama al músico argentino: “La Pasión según San Marcos” escrita especialmente por Osvaldo Golijov para los 250 años de la muerte de Bach en el año 2000.

Los invitamos e escuchar en esta próxima sesión (1 Julio 2006), el álbum "Ayre" de Osvaldo Golijov, el cual ocupa el Segundo Lugar en el Ranking Mundial de los 10 mejores álbumes de Música Académica Contemporánea entre 2005 y 2006.

"Pero el fin último de la Filosofía y de la Ciencia no es el conocimiento en sí; el buen uso de la libertad debe conducir, a través de las ilusiones, de los caprichos del azar y las trampas del camino, a lo que es para el filósofo francés Descartes, tal como lo dice en la última frase de Las Pasiones del Alma, la ineludible preeminencia del gozo". Marc Cheymol.

In Memoriam:

György Ligeti

(1923-2006)
"El mundo ha perdido valor: György Ligeti ha muerto"

Este pasado lunes 12 de junio de 2006, falleció el compositor austriaco Gyorgy Ligeti, considerado uno de los principales precursores musicales del mundo en el siglo XX y líder del movimiento musical de Viena. Tenía 83 años de edad. El Equipo de Producción de “Artes Electroacústicas” lamenta profundamente la irreparable pérdida de dicho compositor, pieza elemental de la vanguardia musical del siglo XX.

Gyorgy Ligeti nació en 1923 de padres húngaros en una zona con predominio húngaro en la región de Transilvania en Rumania. Su padre y su hermano murieron asesinados por los nazis. Adoptó la ciudadanía austriaca en 1967 después de huir de su país ex-comunista.

Es algo importante resaltar que en 1957 fue invitado por Herbert Eimert para participar en el primer Estudio de Música Electrónica del mundo en la radio estatal de Colonia-Alemania, y en 1958 recibió las primeras aclamaciones de la crítica por su composición electrónica Artikulation. Dicha obra fue la que escuchamos en nuestra sesión anterior.

Gyorgy Ligeti obtuvo una gran notoriedad por una técnica que llamó “Micropolifonía”, una combinación de colores y texturas musicales que trascendió las fronteras tradicionales de la melodía, la armonía y el ritmo. También cabe mencionar que ya tuvimos la (tal vez irrepetible) oportunidad de escuchar y observar una de sus obras más revolucionarias “Poema Sinfónico para 100 metrónomos”, la cual fue presentada en vivo en la ciudad de México el 11 de abril de 2002 como parte de las actividades del “Festival Radar: Espacio de Exploración Sonora”. Dicha obra fue la que escuchamos en nuestra sesión anterior.

El canciller austriaco Wolfgang Schuessel elogió a Gyorgy Ligeti el pasado lunes como “el más grande austriaco en la música mundial del siglo XX”.

György Ligeti

descanse en paz.

"No existe todavía un verdadero público de Música Electroacústica, y no se realiza un gran esfuerzo para formarlo. Para el público de conciertos, la Música Electroacústica es todavía un producto raro de laboratorio, inexpresivo, incomprensible y difícil de soportar. Para ese público, el binomio comprender y disfrutar es fundamental".

José María Neves,

Musicólogo brasileño.

Artes Electroacústicas quiere poner de manifiesto en la Ciudad de Puebla, que la Música Electroacústica ya logró que en el resto del mundo el sonido dejase de administrarse a su receptor a cuenta gotas por medio de las notas musicales, porque sus técnicas se convirtieron en un amable recipiente en el cual los compositores pueden impregnarse de sonido a placer e impregnarnos a nosotros también.

Se podría decir que la Improvisación Musical Libre representa la culminación de la búsqueda del músico de vanguardia, por la desentendida y completa libertad. Improvisar significa interpretar sin preparación, componer música en el momento mismo en que se está interpretando. La improvisación musical libre no es nada nuevo: compositores clásicos como Mozart y Beethoven fueron improvisadores muy complejos. La improvisación libre permite a la música hacer cualquier cosa que ella desee, sin tener en cuenta ninguna regla. El ritmo, la armonía, la melodía, incluso el respeto por la integridad física del propio instrumento (incluso las preparaciones e invenciones que a menudo sufren los instrumentos) son pasadas por alto. El improvisador libre encauza su energía creativa a través de su instrumento y sus interpretaciones. Mucho más complejo de lo que pudiera parecer, la improvisación libre requiere un extenso entrenamiento tanto musical como psicológico, esto debido a que el improvisador debe lograr un alto nivel de concentración, una habilidad para —metafóricamente— desnudarse delante del público, y si dicho músico no está interpretando solo, debe saber escuchar a los otros improvisadores para actuar recíprocamente con ellos. Los improvisadores libres provienen de rubros muy diversos: como el jazz, la electroacústica, la música clásica, el arte sonoro, el rock, etc.

Consideramos que lo más importante en éstas sesiones, es dejar bien claro que la improvisación musical libre NO es lo mismo que el free jazz. El free jazz permaneció muy a menudo anclado a su idioma originario, utilizando lenguaje mímico y gestual para estructurar el material improvisado. No existe tal cosa en la improvisación libre: permaneciendo libre a toda regla, éste no puede remontarse a ningún otro género más que al término “avant-garde”. Como un estilo, los improvisadores libres empezaron a surgir a finales de los años 60’s, principalmente en Londres con (el recientemente fallecido) Derek Bailey, y en Berlín con gente como Peter Brötzmann y los músicos alrededor de él (y entrenados por él) como John Stevens, los cuales empezaron a presionar al free jazz norteamericano a territorios más abstractos. El álbum Machine Gun de 1968 de Peter Brötzmann, destrozó la forma musical del free jazz y abrió camino a un lenguaje de improvisación caracterizado por niveles de energía extremos. Alrededor de John Stevens y su Spontaneous Music Ensemble, un grupo de músicos desarrolló un acercamiento a la improvisación confiada en la escucha atenta, intentando “ser” los otros músicos y al mismo tiempo “ser” sí mismos, en lugar de ignorar a los otros participantes. Esta escuela de improvisación libre está perfectamente ejemplificada por las producciones realizadas en los sellos discográficos Incus y Emanem.

En esta pasada trilogía de sesiones presentamos un panorama general de la Improvisación Musical Libre y tuvimos la oportunidad de escuchar la música de Derek Bailey, Evan Parker, Peter Brötzmann, Keiji Haino, Kaoru Abe, Masayuki Takayanagi, Han Bennink, John Stevens, el Spontaneous Music Ensemble, The Company, AMM, entre otros.

Artes Electroacústicas tiene por objetivos tanto el exponer el propositivo panorama de la Creación Sonora Contemporánea, así como el empezar a preparar el terreno para la construcción de una Cultura de la Música Electroacústica en Puebla. Es por ello que este Proyecto está orientado a la Filosofía de la Música Contemporánea y enfocado a la Música Electroacústica y a los Nuevos Comportamientos Musicales.

Bibliografía básica para este Proyecto Radiofónico:

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Baudrillard, Jean, La ilusión y la desilusión estéticas, Venezuela, Monte Ávila, 1997.

Connor, Steven, Cultura postmoderna, Madrid, Akal, 1996.

Cortés, José Miguel G., El cuerpo mutilado. La angustia de muerte en el arte, Valencia, Generalitat Valenciana, 1996.

Cruz Sánchez, Pedro A., La vigilia del cuerpo. Arte y experiencia en la contemporaneidad, Murcia, 2004.

Debray, Régis, El arcaísmo posmoderno. Lo religioso en la aldea global, Buenos Aires, Editorial Manantial, 1996.

Duque, Félix, Terror tras la postmodernidad, Madrid, Abada editores, 2004.

Guasch, Anna Maria (ed.), Los manifiestos del arte posmoderno. Textos de exposiciones, 1980-1995, Madrid, Akal, 2000.

Kuspit, Donald, Signos de psique en el arte moderno y postmoderno, Madrid, Akal, 2003.

Lyotard, Jean-François, La condición postmoderna, Madrid, Editorial Cátedra, 1984.

Martín Prada, Juan, La apropiación posmoderna, Madrid, Editorial fundamentos, 2001.

Trimarco, Angelo, Confluencias. Arte y crítica en la postmodernidad, Madrid, Julio Ollero Editor, 1991.

Vicente Delgado, Alfonso de, El arte en la postmodernidad, todo vale, Barcelona, Ediciones del Drac, 1989.

Artes Electroacústicas es el primer Proyecto Radiofónico en Puebla dedicado al fomento y difusión de la Música Electroacústica y de los Nuevos Comportamientos Musicales.

"La Vanguardia no existe.

Sólo existe gente atrasada".

Edgard Varèse.

In Memoriam:

Derek Bailey

(1930-2005)

"El mundo ha perdido valor: Derek Bailey ha muerto"

El 25 de diciembre del año 2005 en Barcelona, España, a los 75 años de edad, murió el guitarrista inglés Derek Bailey (1930-2005), pionero y revolucionario de la Improvisación Musical Libre.
El Equipo de Producción de Artes Electroacústicas lamenta profundamente la triste pérdida de dicho improvisador, pieza fundamental y primaria de la Improvisación Musical Libre del siglo XX.

Comentarios sobre la muerte de Derek Bailey publicados en The Wire Magazine

"La Música no se dirige a los sentidos, sino a través de los sentidos, a la Mente".

Leonard B. Meyer,

Psicólogo de la Música.

In Memoriam:
Luc Ferrari

(1929-2005)
"El mundo ha perdido valor: Luc Ferrari ha muerto"

Artes Electroacústicas:

por una Escucha Atenta y Activa.

In Memoriam:

Robert Moog

(1934-2005)
"El mundo ha perdido valor: Robert Moog ha muerto"

A R T E S
E L E C T R O A C Ú S T I C A S

Una Aproximación a los

Nuevos Comportamientos Musicales

J u s t i f i c a c i ó n

G e n e r a l

Este es un Proyecto de investigación radiofónica que, además de estar orientado a la Filosofía de la Música, tiene como principal propósito tanto laborar por la promoción y difusión de una Escucha Sonora y Musical Contemporánea, así como por la creación y desarrollo de un público para el Arte Sonoro y la Música Electroacústica en Puebla (México), lo cual pretende una mayor proyección de los Nuevos Comportamientos Musicales en dicha Ciudad.

En la Ciudad de Puebla, la mayoría de los espacios radiofónicos están saturados de música popular, y la Radio Cultural, por subsanar este grave desequilibrio inunda su carta de programación con Música Clásica y con Jazz, creando dos polos opuestos con destinos sociales diferentes, limitando las posibilidades y las capacidades del Escucha y obligándolo a optar por una música ó por la otra. Artes Electroacústicas desea ensanchar los marcos metodológicos que ofrece la Radio Cultural, difundiendo y promoviendo un tipo de Música tan valiosa y apreciable como la Música Clásica; mostrando el mosaico estilístico de los diversos compositores que se han dedicado a la Investigación, Experimentación y Creación de Música Electroacústica en todo el mundo.

Muy a menudo, se nos dice que la Música es para gozar de ella en un sentido únicamente emocional. ¿Por qué entonces la necesidad de un proyecto radiofónico como Artes Electroacústicas, que nos sirva como guía para aproximarnos a la Escucha de la Música Electroacústica? Si esta pregunta realmente fuera absurda e innecesaria, ¿entonces por qué la mayoría de los grandes compositores, habría de robar tiempo a sus propias composiciones, para escribir importantes tratados sobre cómo darle sentido y significado a su propia Música? La respuesta puede parecer aparentemente sencilla. El Escuchar es una capacidad que se adquiere por medio de la experiencia y el aprendizaje. En otras palabras: el importante conocimiento que nos brindan otro tipo de discursos en torno al Arte Musical y al Arte Sonoro, intensifica el goce estético y musical.

Es importante destacar que Artes Electroacústicas se apoya totalmente en la postura de que cuanto más se conozca el tema de la Música Electroacústica, más grande será el goce estético al escucharla. Y el primer requisito para Escuchar Música Electroacústica es tan obvio que casi parece absurdo mencionarlo, pero sin embargo, a menudo es el único elemento que está ausente: prestar atención y dar a la Música el esfuerzo concentrado y consciente de un Oyente Activo. Porque para el proyecto radiofónico Artes Electroacústicas, el Escucha es un Organizador Activo de las diversas percepciones musicales que se le van presentando, y no un simple recipiente pasivo de Objetos Musicales estáticos.

Es por ello la necesidad de articular vínculos entre los radioescuchas y las diversas actividades musicales que se realizan en nuestro país. Sin embargo, lo que se podría criticar a este respecto, es que aún existen pocas oportunidades como las que brindan algunas instituciones y organismos públicos y privados, poco a poco, lentamente, el país está abriendo los ojos a los nuevos géneros de creación e interpretación, los cuales nos generan conocimiento y nos ayudan a desarrollar nuestra capacidad de reconocer y reconocernos dentro de nuestro múltiple entorno sonoro, y sobretodo, el poder apreciar y disfrutar de los sonidos, sean estos sonidos musicales ó sonidos/ruidos, y desde luego, afinando nuestra curiosidad y crítica hacia la Música Nueva. No obstante, ese miedo conservador a lo nuevo debe desaparecer gradualmente: el miedo por parte de los directores de orquesta, de los compositores y de los intérpretes, así como la disposición de los promotores de conciertos y de los gestores culturales, para concienciar que no se trata de conceder, ni mucho menos aún de simplificar el significado musical para “gustar” y volverse masivo, y así justificar el trabajo de “administración cultural”. La necesidad de una Cultura Musical Contemporánea en Puebla, debería tener como fundamento una Nueva Educación Sonora y Musical, y no debería atenderse mezclando arbitrariamente culturas musicales con destinos sociales diferentes, pretendiendo “diluir” y “descender” la (mal llamada) “Música Culta” a un público poco familiarizado con esos códigos estéticos. La Nueva Educación Sonora y Musical que ahora citamos tendría como propósito aproximar e incentivar al público a un aprendizaje, comprensión y apreciación de la Creación Sonora Contemporánea. Esto señalaría como una de tantas finalidades, el desarrollo de las capacidades del Escucha a la par del despliegue del heteróclito lenguaje de los compositores contemporáneos, para que precisamente en dicho público pueda surgir un interés voluntario en asistir y responder a estas importantes actividades.

Artes Electroacústicas considera que la necesidad de un conocimiento íntegro de la Música se encuentra, sin duda alguna, estimulada y exigida por los Nuevos Comportamientos Musicales, es decir, por las tecnologías musicales emergentes, y con el término “tecnologías” no nos referimos únicamente a los bienes electrónicos, sino a la útil asistencia de nuevos aparatos teóricos en la Creación Sonora Contemporánea.

Artes Electroacústicas decidió emprender la difícil tarea de mostrar y demostrar que en la Ciudad de Puebla, sí es posible la creación y el desarrollo de un Proyecto de Arte Radiofónico que contribuya y promueva de forma teórica y metodológica la Creación Artística que incorpora Tecnología y Sonido. Como resultado, muchos radioescuchas han empezado ya, a abrir sus oídos a esta Cultura Musical, están disponiéndose a Escuchar Atenta y Activamente, así como a apreciar nuevos sonidos/ruidos, y desde luego, afinando su curiosidad y crítica hacia la Exploración Sonora. Y de esta misma forma, jóvenes compositores están participando ya en este mismo proceso a través de la radiodifusión de sus diversas propuestas sonoras y musicales.

Escucha Artes Electroacústicas todos los Sábados a las 22 horas por la Radio de la Universidad Autónoma de Puebla (México), Radio Buap 96.9 FM, ó en cualquier parte del mundo Escúchalo en:

www.buap.mx

ó en

www.myspace.com/arteselectroacusticas

Correo Electrónico:

arteselectroacusticas@hotmail.com

Producción General:

Guión, Musicalización y Diseño Sonoro:

Anayuri Güemes

Idea Original, Concepto e Investigación:

Zael Ortega